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17 décembre 2014 3 17 /12 /décembre /2014 17:04

CAMILLE CLAUDEL dans la lumière au musée La Piscine de Roubaix

Le musée La Piscine de Roubaix fête actuellement les 150 ans de la naissance de la talentueuse sculptrice Camille Claudel avec une prestigieuse exposition-événement : Camille Claudel (1864-1943) : au miroir d’un art nouveau, rassemblant plus de 150 oeuvres provenant de collections publiques et privées, françaises et internationales, parmi lesquelles des ensembles exceptionnels prêtés par le musée Rodin, ceux d’Orsay, de Sainte-Croix de Poitiers, ainsi que du futur musée Camille Claudel de Nogent-sur-Seine qui ouvrira ses portes au printemps 2015, ainsi que des pièces importantes conservées par la famille de l’artiste.

La petite châtelaine

C’est à la fois une rétrospective et une mise en perspective de la sculptrice dans son temps. L’exposition est organisée en onze sections, avec à la fois un enchaînement chronologique et thématique. Le tout présenté dans une scénographie superbement épurée. Si cette exposition ne se veut pas exhaustive, elle a néanmoins le grand mérite de raconter l’histoire et l’évolution des sources d’inspiration de l’artiste surdouée au travers de ses créations.

Des sculptures d’Auguste Rodin sont également présentées, ce qui permet au visiteur d’apprécier la période fusionnelle de Camille Claudel avec le maître à l’époque où leurs oeuvres pouvaient se confondre.Commen L’occasion ne se représentera sûrement pas – tout au moins avant l’ouverture du futur musée de Nogent-sur-Seine – de pouvoir admirer le travail de Camille Claudel dans un lieu unique, d’où la nécessité de visiter sans retenue cette extraordinaire exposition qui réunit ses créations les plus emblématiques.

Vertumne et Pomone, 1886 - 1905

Marbre blanc

Sakountala (1886-1905) (détail)

Plâtre original 1888

Buste de Ferdinand de Massary

Persée et la Gorgone (1897-1902)

marbre blanc veiné gris (détail)

En parcourant l’exposition, vous serez attirés très certainement par ce couple de danseurs – La Valse - éperdument enlacés, à la limite d’un déséquilibre qui vous entraînera dans un tourbillon d’émotion sans fin. Dans une première version, les modèles étaient nus. Pour contourner la censure, Camille les a drapés.

Vous vous attarderez ensuite devant L’Age mûr. Est-il ouvrage plus emblématique – s’il n’est pas le plus autobiographe – de Camille Claudel, représentée ici en implorante, conjurant Rodin de rester avec elle alors que ce dernier est emmené par son amante de toujours, Rose Beuret qu’il épousa en 1917 ? Cette sculpture offre aussi une représentation du destin de l’homme vieillissant, arraché à l’amour, la jeunesse et la vie. L’Age mûr symbolise néanmoins la rupture de Camille et de Rodin. Cette sculpture est considérée par les connaisseurs comme son chef-d’oeuvre.

Ecoutons Paul Claudel l’évoquer : « Cette jeune fille à genoux… Cette jeune fille nue, c’est ma soeur ! Ma soeur Camille, implorante, humiliée, à genoux, cette superbe, cette orgueilleuse, c’est ainsi qu’elle s’est représentée ! ».

Puis vous serez séduits, sinon étonnés par Les Causeuses et aussi par La Vague représentant trois femmes qui dansent une ronde sous une vague qui menace de les submerger, inspirée de La Vague au large de Kanagawa, une estampe de l’artiste japonais Hokusaï.

Ces deux oeuvres taillées avec précision dans le marbre onyx témoignent de l’influence sur l’artiste des arts décoratifs et du japonisme alors en vogue en Europe. La scène des Causeuses s’inspire, elle, d’une conversation entre quatre femmes surprise par Camille dans un train. L’artiste reproduit la scène en représentant ses personnages nus et sans âge.

Ces brefs moments de la vie captés, ces « petites choses nouvelles », comme elle l’écrit à son frère Paul, témoigne de sa libération de l’influence de Rodin.

Clotho, 1893 - 1897

Plâtre

Les Causeuses ou Les Bavardes ou La Confidence,

1897

Marbre-Onyx, bronze.

La Vague ou Les Baigneuses, 1897 - 1903

Onyx et bronze sur socle en marbre,

"L'âge mûr" ou La Destinée ou Le Chemin de la vie ou La Fatalité, (1894-1905)

Bronze,

Si vous préférez les oeuvres monumentales, vous serez comblés en admirant Persée et la Gorgone. Avec cette oeuvre imposante en marbre blanc, Camille Claudel revient au classicisme de ses premières créations. Elle est inspirée d’une scène mythologique qui représente Persée venant de décapiter la Méduse, l’une des trois Gorgones. Persée regarde dans son bouclier de bronze, qui lui sert de miroir, le reflet de la tête de Méduse afin d'éviter d’être pétrifiée par son regard maléfique (dans son état actuel, le bouclier a disparu). Vous découvrirez aussi que Camille Claudel maîtrisait parfaitement l’art du portrait avec La vieille Hélène, une sculpture en terre cuite, l’une de ses premières réalisations où elle puisa son inspiration dans son entourage : La vieille Hélène était une servante de la famille ! Cette grande maîtrise de l’art du portrait, où elle déploie une grande force d’expression avec ce goût des traits accentués, s’affirme plus tard avec Giganti, ce buste d’un naturalisme expressif et si vivant qu’il semble nous toiser. Le Buste de Rodin, ainsi que le Portrait de Ferdinand de Massary ne laisse personne indifférent.

GIGANTI (1885)

" La Valse "

La valse : dans cette première version, les modèles étaient nus. Pour contourner la censure, Camille les a drapés.

Les trois faunesses d’Auguste Rodin

Bien entendu, la pièce maîtresse, la tête d’affiche : La Petite Châtelaine, n’a pas été oublié. Ce visage devenu familier des habitués de La Piscine depuis son acquisition par le musée de Roubaix en 1996 grâce à une souscription publique – la première organisée par un musée pour une sculpture – est un buste en marbre blanc qui représente la tête et les épaules d’une petite fille de six ans, Madeleine Boyer, petite-fille de Madame Courcelles, la propriétaire du château de l'Islette, en Touraine, que Camille Claudel rencontra lors d'un séjour en compagnie de Rodin. L’artiste est tombée sous le charme de son jeune modèle qui aurait posé plus de 62 heures… pour le grand bonheur des amateurs de l’art sculptural et des nombreux visiteurs de La Piscine !

 Musée La Piscine – musée d'art et d'industrie André-Diligent Exposition Camille Claudel (1864-1943)

Au miroir de l’art nouveau. Jusqu’au 8 février 2015. Tarifs : 7 et 10 euros. Ouvert du mardi au jeudi de 11 h à 18 h ; le vendredi de 11 h à 20 h ; le samedi et dimanche de 13 h à 18 h.

Contact : 03 20 69 23 60.

Un personnage romanesque

Buste de Camille Claudel

Camille Claudel est perçue comme l’héroïne dramatique d’une histoire emblématique de la condition féminine au XIXe siècle et dans la première moitié du XXe siècle. Elle est surtout une artiste incontournable qui apporte à l’histoire de la sculpture moderne un regard d’une grande singularité, ouvrant des ponts entre le naturalisme et le symbolisme, le néo-florentinisme et l’art nouveau. Les premières oeuvres de cette sculptrice de génie ont impressionné Auguste Rodin, qui en fit son élève, son égérie puis sa maîtresse officielle à qui il avait promis le mariage.

Lorsque Rodin rencontre Camille pour la première fois, elle a dix-huit ans et lui… vingt-six de plus !

Au début de leur collaboration, le couple très proche intellectuellement s’entend à merveille, l’émulation étant bénéfique aux deux artistes. Parfois la création de l'un et de l'autre est si proche qu'on ne sait qui du maître ou de l'élève a inspiré l'un ou copié l'autre, les deux créateurs s’influençant mutuellement.

Après dix années de passion amoureuse, faites d’échanges sans complaisance, de travail, de malentendus et de réciproques déceptions, Camille Claudel tire un trait sur leur histoire et entend aussitôt se consacrer exclusivement à sa carrière. En 1898, elle le quitte définitivement pour s'installer dans son propre atelier. Une fois la relation amoureuse rompue, elle souhaite s’émanciper de la pesante tutelle de son maître, s’affranchissant ainsi de son influence artistique.

Dans un souci d’affirmer sa propre identité créatrice, elle privilégie des recherches opposées à celles de son mentor, en expérimentant de nouvelles scènes intimistes. Avec son frère Paul, introduit dans les cercles littéraires, elle côtoie de nombreux adeptes de l'avant-garde parisienne, réalisant jusqu'en 1905 la part la plus innovante de son oeuvre : La Valse, L’Âge mûr.

Ses nouveaux sujets, dont Les Causeuses, s’illustrent parmi ses plus fameuses compositions ; elle capte et restitue de brefs moments de la vie ordinaire. A l’apogée de son art, elle affirme une nouvelle fois son originalité en réalisant dans la veine de l’Art nouveau : La Vague.

Le déclin vers la folie

Cependant, cette femme, déchirée entre le rêve de l'amour partagé et celui de la sculpture, décline vers la folie.

Elle cumule alors les difficultés matérielles et de graves ennuis financiers, alors qu’un délire de persécution latente lui ronge les nerfs. Sa rancune tenace envers Rodin nourrit son inexorable démence, la laissant progressivement dans l’incapacité de se renouveler.

Elle approche la cinquantaine … et de sa mythique beauté, il ne reste plus rien.

Atteinte de psychose paranoïaque, n’étant plus capable de créer de nouvelles oeuvres, elle sera internée une semaine après la mort de son père en 1913, à la demande de sa mère, à Ville-Evrard (Val-de-Marne) puis à Montfavet (Vaucluse).

Lorsque le 10 mars 1913 deux athlétiques infirmiers forcent les portes son atelier, la sculptrice a pris soin de se barricader. Les deux hommes sont obligés de passer par la fenêtre. Une fois à l'intérieur, ils sont pétrifiés en découvrant un incroyable amas d'immondices répandant une odeur répugnante. Ils ont peine à s’imaginer qu'on puisse vivre dans un tel cloaque, plongé dans l'obscurité et l'humidité. Des chats évoluent autour d’une multitude de sculptures brisées.

L’artiste est bien sur place. Elle hurle, telle une bête meurtrie au fond de son antre, isolée du monde, emportée par la folie, comme possédée. À 48 ans, elle en paraît dix de plus !

Elle s'éteint dans la solitude de ses trente années d’oubli, le 19 octobre 1943, à l'âge de 79 ans, dans l’indifférence générale.

Tous ces éléments en ont fait un personnage de roman.

De la personnification de l'artiste maudite à la reconnaissance de son génie, Camille Claudel a fait l'objet, depuis le début des années 1980, d'une réhabilitation passionnée, un peu grâce au succès du roman d’Anne Delbée, Une femme, paru en 1981, ainsi que du film de Bruno Nuyten : Camille Claudel, avec Isabelle Adjani et Gérard Depardieu dans le rôle de Rodin, sorti sur les écrans en décembre 1988.

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12 décembre 2014 5 12 /12 /décembre /2014 12:28

Des animaux et des pharaons au Louvre-Lens : l’incroyable bestiaire de l’Egypte ancienne

Bas-relief : babouins du socle de l’obélisque oriental du temple de Louxor

Granit rose, Temple de Louxor.

Nouvel Empire, 19e dynastie, règne de Ramsès II (1279-1213 avant J.-C.)

Coffre à canopes de Tchaouenhouy surmonté d’une statue du dieu Anubis

Troisième période intermédiaire, 21e dynastie (vers 1069 – 945 av J.-C.)

Bois peint. Il contenait les quatre cercueils exposés à côté. Les entrailles sont conservées soit dans des vases (les canopes), soit dans de petits cercueils placés dans un coffre. D'autres coffres contiennent les figurines destinées à remplacer le mort dans les corvées de l'au-delà (les chaouabtis ou ouchebtis).

Aquarelle : scène de chasse dans les marais,

Gouache aquarellée sur papier vélin

Début du XXe siècle, Hippolyte Boussac (1846-1942)

À travers l’exposition Des animaux et des pharaons, présentée jusqu’au au 9 mars 2015,

le Louvre-Lens s’intéresse à la place et au rôle de la figure animale dans la civilisation pharaonique. Qu’il soit réel ou représenté, l’animal occupe une place essentielle dans l’Égypte ancienne.

Sauvage ou domestiqué, il est omniprésent dans la vie quotidienne.

D’une amulette en forme de grenouille à la sculpture monumentale en granit rose qui pèse 5,7 tonnes des babouins de l’obélisque de Louxor – représentés dans l'attitude de vénération de l'astre solaire : ils devaient à l’origine être placés au pied de l'obélisque, place de la Concorde à Paris, mais ils furent installés au Louvre car leur nudité et leurs attributs mâles choquaient les badauds – en passant par le cercueil d’un serpent ou la momie d’un ibis, plus de 430 oeuvres et documents sont réunis. Tous proviennent de la collection égyptologique du Louvre, l’une des principales au monde. Une partie des oeuvres sort exceptionnellement des réserves. Certaines n’ont jamais été exposées, ou très rarement. Près des deux tiers ont été restaurées pour l’occasion, notamment dans l’atelier visible et visitable du Louvre-Lens.

Cette exposition permet d’aborder tous les aspects de la civilisation égyptienne ancienne grâce aux animaux.

Squelette d’ibis sacrée Threskiornis aetiopicus (Thèbes)

Momies de chat

Figurine de cercopithèque assis tenant des noix-doum.

Moyen Empire (vers 2033-1710 avant J.-C ou Nouvel Empire (vers 1550-1069 avant J.-C.)

Calcaire peint

Statue : sphinx de Nectanébo Ier

Grès avec traces de peinture rouge, bleue, jaune

Basse Époque, 30e dynastie (378-341 avant J.-C.) en incrustation en haut à droite ; sphinx royal au nom d’Achoris, Basalte, Basse Époque, 29e dynastie, règne d’Achoris (392-379 avant J.-C.) Rome, villa Borghèse

PH 10 EGYPTE LOUVRE

Élément de meuble en forme de tête de lion : Basse Époque (664-332 av. J.-C.)

Cercueil de chat et momie

Epoque ptolémaïque (332-30 avant J.-C.)

Bois polychromé

PH 12 EGYPTE LOUVRE

Pseudo-cercueil et pseudo momie-d’Osiris

Epoque romaine ( 1er - 2e sièle ap. J.-C. ) Teneh

Bois peint matière organique

Au centre de l’image, faucon pélerin protégeant le roi Nectanebo II.

Dans l'antiquité le faucon pèlerin était un oiseau familier du ciel d'Egypte. Jouissant d'un grand prestige, ce rapace devint, dès les premières dynasties, l'image du dieu Horus, protecteur et symbole de la royauté.

À côté des statues, sculptures, aquarelles, momies et autres objets archéologiques, l’exposition accueille douze spécimens naturalisés issus du musée d’histoire naturelle de Lille afin de permettre aux visiteurs d’embrasser d’un même regard la reproduction et l’animal tel qu’il était. Le but est de corriger l’idée reçue selon laquelle les Égyptiens adoraient les animaux, alors que leurs rapports étaient beaucoup plus complexes.

Chassés, élevés, domestiqués, sacrifiés ou vénérés, les animaux et leur représentation avaient des rôles multiples pour les Égyptiens.

C’est une exposition très pédagogique qui ravira les égyptologues amateurs. Structurée en neuf sections, elle suit une progression logique, de l’observation des principales espèces animales jusqu’à leur glorification ou leur transformation symbolique dans l’écriture, le mobilier ou les bijoux. Le grand public pourra même effectuer des autopsies virtuelles* grâce à un dispositif multimédia qui a numérisé en 3D six momies d’animaux.

L’exposition propose au visiteur une double approche, à la fois pédagogique et esthétique.

Elle permet tout d’abord l’acquisition de connaissances au fil d’un parcours structuré en neuf sections thématiques qui offre une progression logique, de la simple perception matérielle de créatures réelles évoluant dans leur milieu naturel, à leur transposition dans le langage codifié de la pensée égyptienne. Au fil des différentes séquences, le sujet central de la figure animale permet d’aborder de nombreux aspects de la civilisation égyptienne, tels que l’élevage, l’écriture, les divinités ou encore les rites funéraires. Il permet aussi d’en couvrir toute la chronologie, de la fin de la préhistoire jusqu’à l’époque romaine.

* Dans la section de l’exposition consacrée aux cultes des animaux sacrés et aux momies offertes aux dieux, sont présentées plusieurs momies animales issues des collections du Louvre. Préalablement à leur arrivée à Lens, certaines d’entre elles ont fait l’objet d’un examen tomodensitométrique sous la direction d’un médecin

radiologue, avec le concours d’un cabinet vétérinaire équipé d’un scanner volumique. L’imagerie médicale obtenue dans ce cadre et interprétée par des experts a permis de collecter des informations scientifiques inédites sur ces momies : nature et état de conservation des restes contenus dans la momie, espèce de l’animal embaumé, type de mise à mort, techniques utilisées par les embaumeurs. Ces images, associées à des numérisations en 3D ont servi à concevoir un dispositif multimédia qui offre au visiteur l’opportunité de procéder lui-même à l’autopsie virtuelle de six momies animales : celles d’un bélier, d’un chat, d’un crocodile, d’un faucon, d’un ibis et d’un poisson. À partir d’un écran tactile, le visiteur pourra ôter la couche de bandelettes des momies, pour en découvrir le contenu.

 Des animaux et des pharaons, jusqu’au 9 mars 2015.

Tous les jours de 10 h à 18 h, sauf le mardi. Nocturne jusque 22 h le premier vendredi de chaque mois.

Après Lens, l’exposition sera présentée au Caixa Forum de Madrid du 31 mars au 23 août 2015 puis au Caixa Forum de Barcelone du 22 septembre 2015 à 10 janvier 2016.

Musée du Louvre-Lens, 99 rue Paul Bert, 62300 Lens. Tél. : +33 (0)3 21 18 62 62.

Modèle de scène de labour

Moyen Empire (2033-61710 avant J.-C.)

Élément de meuble en forme de tête de lion

Basse Époque (664-332 av. J.-C.)

PH 15 EGYPTE LOUVRE

Statuette de porteuse d’offrandes

Moyen-Empire 12e dynastie ( vers 1963-1786 avant J.-C.)

Assiout , tombe d’ Oupoaoutemhat

Bois de figuier sycomore stuqué et peint

Sarcophage d’ibis

Epoque ptolémaïque (332- 30 av. J.-C.)

Calcaire polychrome

Bas-relief : babouins du socle de l’obélisque oriental du temple de Louxor

Granite rose

H. 159 ; L. 325 ; Pr. 64,5 cm

Nouvel Empire, 19e dynastie, règne de Ramsès II (1279-1213 avant J.- C.)

Temple de Louxor.

Au premier plan, Statue assise d’Amon à tête de bélier

Quartzite

Nouvel Empire, 18e dynastie, probablement règne d’Amenhotep III (1391-1353 avant J.-C.)

Région thébaine ou Nubie ?

Au second plan, la Statue de Sekhmet léontocéphale assise

Diorite .

Nouvel Empire, 18e dynastie, règne d’Amenhotep III (1391-1353 avant J.-C.)

Karnak

PH 19 EGYPTE LOUVRE

Masque de momie de bélier

Cartonnage doré et polychromé, bois doré

H. 26,5 ; L. 20,5 cm

Époque ptolémaïque (332-30 avant J.-C.) ou romaine (fin du 1er siècle avant

J.-C. - 4e siècle après J.-C.) Éléphantine, « Chnoubeum »

PH 20 EGYPTE LOUVRE

Figurine d’hippopotame

Faïence égyptienne

Moyen Empire, milieu 13e dynastie (1750- 1650 avant J.-C.)

Thèbes, Dra Abou el-Naga, tombe de Neferhotep, scribe du grand enclos

Momie d’ibis (détail)

Basse époque (664-332 av J.-C.) ou époque gréco-romaine (4e siècle av. 4e siècle ap. J.-C.)

Lin, matière organique

Un million et demi de visiteurs et de nouveaux chefs-d’oeuvre

Plus d'1,5 million de personnes ont visité le Louvre-Lens depuis son ouverture il y a tout juste deux ans, ce qui représente un rythme de croisière de 500 000 visiteurs par an – 530 000 cette année – ce qui fait du musée lensois le plus grand musée de région en France.

Quatre expositions ont été présentées depuis l'inauguration : Renaissance (151 000 visiteurs), L'Europe de Rubens (125 000), Les Etrusques et la Méditerranée (98 000) et Les désastres de la guerre (86 000).

De nouveaux chefs-d’oeuvre

Dix-neuf nouveaux chefs-d’oeuvre de la grande galerie* en remplacent d’autres qui ont rejoint le grand musée parisien : le remarquable Saint-Joseph charpentier de Georges de La Tour, dont on apprécie l'ambiance de clair-obscur parfaitement maitrisée et la palette de couleurs réduite utilisée, confère à la composition de cette oeuvre une dimension quasi- théâtrale. Le front soucieux du père, dont le visage est dans l'ombre, contraste avec la lumière et la sérénité du visage du Christ enfant. La lumière de la bougie qui éclaire intensément son visage illumine le reste de la scène. La source majeure de lumière n’est pas la bougie mais le visage de l’enfant.

PH 26 EGYPTE LOUVRE

Saint-Joseph charpentier de Georges de La Tour

D’autres nouvelles oeuvres étonneront le visiteur : La Grande Bacchanale ou Bacchanale à la Joueuse de Guitare, de Nicolas Poussin, qui côtoie maintenant Ixion, roi des Lapithes, trompé par Junon qu'il voulait séduire de Rubens. Mais aussi L'Adorant de Larsa, séduisante statuette mésopotamienne dont le visage, la barbe et les mains sont recouvertes de feuilles d'or. Ce personnage est coiffé d'un bonnet proche du bonnet royal et porte la main à la bouche, dans une attitude de prière. Ou encore le Bélisaire demandant l'aumône, de David ; La Vierge et l'Enfant entourés de cinq anges, de Botticelli ; le portrait de Dona Isabel de Requesens vice-reine de Naples, dit Portrait de Jeanne d'Aragon, de Raphaël.

Le visiteur s’attardera devant le gisant médiéval de Blanche de Champagne en cuivre sur âme de bois, ainsi que sur cet autel portatif : Mise en croix,datant de 1180, émail champlevé sur cuivre doré sur le socle duquel figurent les douze apôtres.

PH 28 EGYPTE LOUVRE

Roger, chevalier musulman qui délivre Angélique du monstre marin. INGRES (1819)

Roland furieux de Jean Bernard Duseigneur

Le dernier tableau, au bout de la galerie du temps, est toujours une oeuvre forte : après la Liberté guidant le peuple de Delacroix, l’OEdipe d’Ingres, voici Roger, chevalier musulman qui délivre Angélique du monstre marin (1819) d’Ingres, également directement inspiré du récit poétique comptant plus de 38 000 vers de Roland Furieux, de Ludovico Ariosto, dit Arioste.

Il côtoie une sculpture impressionnante de Jehan Duseigneur, qui emprunte un personnage du même poème épique. Il a créé un Roland, neveu de Charlemagne, rendu fou par l’amour trompé d’Angélique.

Fou de douleur, Roland jette son armure, déchire ses vêtements et se laisse aller à la fureur, déracinant les arbres à mains nues. Des amis chevaliers parviennent à le lier pour mettre fin à ses ravages et tenter de le ramener à la raison. Pourtant, l’artiste ne décrit pas un chevalier en armure, avec tout son attirail pittoresque. Il a choisi le seul passage où le héros est dévêtu, ce qui lui permet de justifier une démonstration virtuose de nu académique. La violence de l’expression en fit immédiatement un manifeste de la sculpture romantique. Possédé par la fureur de son amour déçu et luttant pour se dégager de ses liens, Roland bande ses muscles, tord ses membres et son buste, les mains agrippées au sol, le visage est crispé de douleur, les yeux sont révulsés par la démence.

*205 oeuvres sont exposées dans la galerie du temps. C’est une présentation semi-permanente, dans la mesure où la plupart des ces oeuvres restent à Lens pour cinq ans. Un peu moins de 20 % d’entre elles sont renouvelées au bout d’un an, à la date anniversaire de l’ouverture du musée (le 4 décembre). Cette rotation permet de fidéliser un public régulier qui découvre chaque année un parcours métamorphosé.

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Published by Guy Sadet - dans Expositions remarquables
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17 juillet 2014 4 17 /07 /juillet /2014 20:42

FESTIVAL DE SCULPTURES SUR SABLE OSTENDE 2014

Sur la grande plage d’Ostende (Belgique), des artistes venus du monde entier ont façonné le sable durant plus de trois semaines, le transformant en un monde féérique de magie, d’émotion et d’aventures. Ces oeuvres éphémères ainsi rassemblées composent une exposition exceptionnelle de sculptures, qui mettent à l’honneur les lieux emblématiques du parc d’attraction Disneyland® Paris.

Autour du magnifique château de la Belle au Bois Dormant, d’incroyables sculptures évoquent les décors magiques du parc, les héros de Disney dont la toute nouvelle attraction, Ratatouille : l’aventure totalement toquée de Rémy, dont l’inauguration s’est déroulée ce 10 juillet.

C’est le rendez-vous de l’été sur la côte belge, à ne manquer sous aucun prétexte, un grand moment de pure détente ainsi qu’une expérience féerique faite de découvertes qui surprennent et émerveillent à tout âge.

Ce voyage commence dans l’ambiance de la fameuse Main Street où l’on retrouve le charme désuet d’une petite ville américaine du début du siècle dernier.

Le visiteur pourra être envouté par les contes et récits fantastiques qu’évoquent un décor sorti tout droit de Fantasyland, où les rêves deviennent réalité, puis il pourra revivre les aventures de Raiponce sauvée des griffes de sa marâtre par le beau Flynn Rider, ou suivre les traces de Peter Pan et de la fée Clochette au pays imaginaire et faire la connaissance du détestable capitaine Crochet.

SCULPTURES OSTENDE 15

...Mais ne vous perdez pas en compagnie d’Alice au pays des Merveilles dans son dédale ensorcelé, visitez plutôt l’immense château de la Belle au bois dormant, où chaque recoin vous conte son histoire fantastique.

Plongez dans l’atmosphère du far west comme si vous étiez à Frontierland.

Le son des tam-tams guidera vos pas dans l’univers d’Adventureland et vous vous retrouverez nez à nez avec les Pirates des Caraïbes.

Enfin, découvrez l’avenir comme il fut imaginé par des esprits visionnaires dignes de Jules Verne aux frontières de notre univers pour une expédition intergalactique.

Des mains magistrales venues du monde entier

Ce festival de sculptures a été érigé par une équipe internationale de trente artistes professionnels en provenance des Etats-Unis, du Canada, d’Hawaï, de Russie, de Chine, d’Espagne, de Grande-Bretagne, de France, des Pays-Bas, qui ont réalisé en un peu plus de trois semaines leurs prouesses à la fois techniques et artistiques avec plus de 6.000 tonnes de sable !

Du grain de sable à l’art

A l’aide de bulldozers et de grues, le sable de sculpture est déversé dans des armatures en bois où, couche sur couche, il est compressé pour former un bloc dur à la hauteur souhaitée. Les sculpteurs, aussi appelés carvers, ont chacun leurs outils favoris, qui peuvent aller de la pelle à la spatule, et même au pinceau ou à la paille ! L’échange d’idées et d’expériences entre artistes issus des quatre coins du monde mènent aux créations les plus folles et aux décors les plus audacieux.

Comme des dés ou comme des billes ?

A condition de disposer du sable adéquat et des bonnes techniques, toute forme est envisageable.

Les sculptures de sable acquièrent ainsi le statut d’objets d’art, cette discipline étant déjà pratiquée par les Egyptiens 4 000 ans avant Jésus Christ.

Le sable, qui se trouve sur la plupart des plages, est constitué de grains polis par vagues et marées. Ces grains devenus tout à fait lisses au fil du temps ne conviennent pas à la sculpture. Il faut, au contraire, pour exercer cet art, du sable de rivière dont les grains sont restés plus bruts et anguleux.

Architecture et anatomie

Un sculpteur de sable doit pouvoir bien imaginer sa sculpture et ses dimensions. L’expérience lui a permis de développer une telle conception spatiale. Et à chacun sa spécialité. Alors que l’un préfère les constructions architecturales, l’autre développe tout son talent dans les personnages. Chacune de ses disciplines requiert des compétences spécifiques : la première une grande droiture dans le trait ; la seconde, le sens des proportions anatomiques.

Les sculpteurs de sable sont comme les peintres : ils travaillent tout en douceur et en réflexion, tenant compte de tous les paramètres qu’ils calculent et projettent indéfiniment avant de réaliser leur oeuvre.

ZOOM

Vue du ciel, la superbe plage de sable fin d’Ostende avec au premier plan, le site du festival de sculptures.



Festival de sculptures de sable, Ostende 2014

Disneyland®Paris Sand Magic

sur la grande plage d’Ostende (Zeeheldenplein)

jusqu’au dimanche 31 août. Tous les jours de 10 h à 19 h

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21 décembre 2013 6 21 /12 /décembre /2013 16:36

Les Étrusques et la Méditerranée au Louvre-Lens

Pour sa première exposition archéologique, le Louvre-Lens a choisi de mettre en lumière la civilisation étrusque dans son contexte méditerranéen, à travers l’histoire de la cité de Cerveteri, l’une des plus grandes métropoles du monde étrusque, et surtout l’une des plus emblématiques.

C’est en effet la seule dont on puisse retracer toute l’évolution, depuis ses origines jusqu’à la romanisation.

Plus que pour toute autre, nous avons aujourd’hui une bonne connaissance non seulement de ses nécropoles mais également de son centre urbain et de ses grands sanctuaires.

Il est ainsi possible de présenter, à travers l’exemple de Cerveteri, les différents aspects de ce que furent les cités étrusques : la cité des vivants et les nécropoles, l’organisation politique, les relations avec l’Orient, la Grèce et Rome.

L’exposition du Louvre-Lens confronte pour la première fois les pièces des grandes collections historiques avec les résultats des fouilles menées ces dernières décennies dans le coeur de la cité antique et sur son territoire. Elle dresse de cette grande cité un portrait renouvelé, en même temps qu’elle rend compte de la place et du prestige dont elle jouissait dans l’Italie et la Méditerranée antiques.

Sur 1800 m2, la présentation rassemble plus de 400 pièces archéologiques issues des principales collections étrusques d’Europe. Parmi ces dernières, celles du Louvre, mais également du musée de la Villa Giulia à Rome, du Musée national de Cerveteri, du musée Grégorien étrusque du Vatican, du British Museum de Londres, de l’Antikensammlung de Berlin ou encore de la Ny Carlsberg Glyptotek de Copenhague.

Acrotère : cheval ailé

500-475 avant J.-C.

Terre cuite

Acrotère (élément architectural) : figure de guerrier

Vers 510 avant J.-C.

Terre cuite

Parmi les oeuvres présentées figurent des chefs-d’oeuvre de l’art étrusque, dont certains ont été restaurés pour l’occasion, comme le Sarcophage des époux, fleuron des collections étrusques du musée du Louvre, exposé pour la première fois hors de Paris et qui a fait l’objet pour l’exposition d’une nouvelle intervention de restauration à Lens, ainsi que des ensembles dispersés depuis le XIXe siècle et réunis pour la première fois, des pièces provenant des fouilles les plus récentes, menées à Cerveteri, mais aussi de fouilles d’épaves étrusques découvertes au large des côtes françaises.

Une maquette moderne de temple, des gravures et des dessins du XIXe siècle permettent d’illustrer les grands monuments et de documenter l’histoire des fouilles.

Des reconstitutions partielles donnent au visiteur une idée de l’échelle et de l’aspect de quelques monuments, tels que l’entrée d’un tumulus, une tombe ou encore le fronton d’un temple.

Pour la clarté du propos, le parcours de l’exposition est organisé de manière chronologique : la naissance d’une cité, les princes de Cerveteri : l’Étrurie, l’Orient et la Grèce (VIIIe-VIIe siècles avant J.-C.), l’apogée : Cerveteri à l’époque archaïque (VIe et Ve siècles avant J.-C.), les Étrusques face à Rome : Cerveteri et la romanisation (du IVe au Ier siècle avant J.-C.).

Hydrie (vase à transporter l’eau) : centauromachie

(Combat entre les centaures et les Grecs)

Peintre de l’Aigle

Vers 510 avant J.-C.

Terre cuite ; figures noires

Dinos (vase à mélanger l’eau et le vin)

Danse de satyres et de ménades

Peintre du Louvre E 736

Vers 525 avant J.-C.

Terre cuite ; figures noires

Antéfixe (élément architectural)

Représentant la déesse Uni

Fin du 6e siècle avant J.-C.

Terre cuite

Neuf amphores (vases à transporter)

5e siècle avant J.-C.

Terre cuite

Provient de l’épave du Grand Ribaud*

*La chronologie des amphores et de la céramique grecque s’accordent pour placer le naufrage entre 525 et 480 avant J.C. Peut-être peut-on réduire encore cette fourchette aux années 520-490, voire 510-500 avant J.C.

La cargaison de l’épave du Grand Ribaud fait référence au commerce régulier que les Etrusques entretenaient directement et sans véritable interruption depuis le VIème siècle avant J.C avec les populations de la Vaunage et du Languedoc oriental, vraisemblablement par l’intermédiaire du complexe portuaire de Lattes près de Montpellier.

Détail d’un Pithos (jarre) à panse cannelée. Métopes : griffon ailé, centaure et gorgonéion (tête de la Gorgone)

625-600 avant J.-C.

Terre cuite (impasto)

L'emblématique Sarcophage des époux

Le Sarcophage des époux – dit aussi Sarcophage de Cerveteri, conservé au Louvre – est une urne funéraire étrusque monumentale en terracotta – initialement polychrome – représentant deux époux allongés ensemble dans la pose du banquet étrusque. Cette pièce majeure a fait l’objet pour l’exposition d’une nouvelle intervention de restauration au Louvre-Lens.

Ce type d'urne funéraire est conforme aux traditions étrusques associées au culte de leurs morts : l'urne comporte un vase et un couvercle sur lequel est représenté, en sculpture, le défunt en position de banqueteur, allongé sur le triclinium et dans la pose du vivant, souriant, le coude gauche appuyé sur des outres à vin, les jambes enveloppées. Dans le cas présent, il s'agit d'une urne cinéraire double, et les deux défunts qui y sont incinérés sont représentés sur le couvercle en train de célébrer un banquet

couché. Le matelas du lit du banquet était décoré de bandes colorées. Des outres, dont une coincée sous le coude de l'homme, rappellent la consommation du vin. La femme versait du parfum dans la main de son époux, pendant que celui-ci l'enlace. Les yeux sont petits et en amande, le nez droit et dans le prolongement du front, le sourire présent, le menton pointu, et les cheveux méchés. L'une des mains, enchâssées dans le reste du corps, a malheureusement disparu pour l'homme de l'exemplaire du Louvre, mais l'exemplaire de la Villa Giulia permet de reconstituer le geste.

Cerveteri , l’étrusque

Cerveteri se situe dans la région italienne du Latium, à 42 kilomètres au nord-ouest de Rome.

La ville aujourd’hui compte environ 36 000 habitants. Elle est célèbre pour sa nécropole étrusque de La Banditaccia, classée au patrimoine mondial de l’humanité par l’Unesco.

Si, de la vaste cité antique, seul le théâtre romain a survécu, les nécropoles étrusques qui l’entouraient représentent des vestiges importants. La nécropole de Cerveteri présente, avec celle de Tarquinia, les sépulcres étrusques les plus intéressants. Contrairement à Tarquinia où l'intérêt du visiteur est porté sur les peintures, à Cerveteri de ce qui particulièrement important est l'aspect architectural des espaces funéraires. Les tombes sont de divers types : tranchées creusées dans le roc, tumuli, ou d’autres taillées dans la roche en forme de cabane ou de maison avec un luxe de détails architecturaux.

Elles constituent l’unique témoignage qui nous soit parvenu de l’architecture résidentielle étrusque. Certaines tombes du site sont monumentales. Nombre d’entre elles comportent des bas-reliefs, tandis que d’autres renferment de remarquables peintures murales. Installé dans la forteresse médiévale (XIIe siècle), le musée national (museo nazionale Cerite) expose le mobilier funéraire recueilli dans les nécropoles.

Sarcophage dit du Magistrat

Milieu du 4e siècle avant J.-C.

Pierre

Statue de Charun (démon funéraire)

Fin du 4e siècle avant J.-C.

Pierre

Statue votive d’homme drapé

3e siècle avant J.-C.

Terre cuite

… De Caere à Agylla

Son nom antique est Caisra pour les Étrusques, Caere pour les Romains et Agylla pour les Grecs.

Fondée sur un plateau de tuf, la cité antique contrôle un vaste territoire s’étendant de la côté tyrrhénienne au lac de Bracciano et aux monts de la Tolfa. Elle est reliée à la mer et aux ports de Pyrgi, Alsium et Punicum.

À partir de l’époque orientalisante, Cerveteri entretient des échanges commerciaux intenses avec la Grèce et l’Orient, mais également avec le reste de la péninsule italienne et notamment le Latium. Elle développe un riche artisanat, de terre cuite et de peinture. C’est à Cerveteri vers 675 avant J.-C. qu’apparaît le bucchero, une céramique typiquement étrusque, dont la surface noire, lisse et brillante, rend l’effet du métal. Le VIe siècle marque l’apogée de la cité, qui s’affirme comme une puissance méditerranéenne, ouverte aux échanges politiques, commerciaux et culturels avec les Grecs, Carthage et Rome.

En dépit de liens privilégiés avec Rome, Cerveteri connaît au IIIe siècle le sort des autres cités étrusques, menacées par la politique d’expansion des Romains. Après une série de conflits, les Romains confisquent en 273 avant J.-C. une partie des territoires de la cité pour fonder les colonies maritimes de Castrum Novum, Pyrgi et Alsium. Dès lors, Cerveteri perd peu à peu son autonomie et devient romaine en 90 avant J.-C.

Fragment du décor architectural, tête de la divinité Leucothée

Milieu du 4e siècle avant J.-C.

Terre cuite

Portrait d’Auguste, empereur de 27 avant J.- C. à 14 après J.-C. (fragment de statue)

40 – 50 ans après J.-C.

Marbre

Cerveteri, zone du théâtre romain (fouilles de 1840 – 1846)

 Les Étrusques et la Méditerranée

La cité de Cerveteri

Louvre-Lens jusqu’au 10 mars 2014

L’exposition sera ensuite présentée au Palais des Expositions de Rome, du 14 avril au 20 juillet.

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2 juillet 2013 2 02 /07 /juillet /2013 12:06

FESTIVAL DE SCUPTURES DE SABLE DE BLANKENBERGE 2013 : la collection mondiale

Sculpter l’éphémère et parvenir à garder enfoui à jamais dans le souvenir de ceux qui ont pu découvrir les sculptures de ce temporaire musée de 4 000 m2 : c’est le défi lancé cette année encore par les quarante artistes du festival de sculptures de sable de Blankenberge, sur la côte belge, considéré depuis l’année 2010 comme le plus important du genre au monde par le livre Guinness des records.

La collection mondiale est le thème retenu cette édition 2013, décidemment très éclectique de par la variété des oeuvres réalisées.

La statue de sable du footballeur David Beckham, celle du coureur cycliste Tom Boonen, ex-champion du monde et quadruple vainqueur de Paris-Roubaix, côtoient quelque 150 autres qui représentent à la fois des oeuvres d'art classiques comme La Joconde, des inventions telles que l'avion des frères Wright ou la première locomotive de George Stephenson, mais encore des personnalités issues du monde scientifique, politique, du show business ou des personnalités mondialement connues : de Albert Einstein au Dalaï lama, en passant par des tableaux évoquant des événements historiques comme les premiers pas de l'homme sur la lune.

Il est ainsi permis aux visiteurs de prendre la pose à côté de Lady Gaga, de poser devant le tableau de Léonard de Vinci, La Joconde, et pour vous mesdames, de partager la couche de Bad Pitt ! Mais attention : Angelina n’est pas bien loin… Dans ce cas, il est peut-être moins dangereux de dîner à la table… d’Al Capone !

 La Collection Mondiale

Koning Albert I-laan, en face du centre Sea Life,

8370 Blankenberge

Du samedi 15 juin au dimanche 15 septembre 2013

Horaires : tous les jours de 10 h à 19 h.

Hommage au peintre surréaliste belge René Magritte

Des sculpteurs du monde entier

Ce festival, devenu maintenant incontournable pour les touristes qui fréquentent la côte belge en été, a été créé par une équipe internationale de quarante artistes professionnels venus des Etats-Unis, du Canada, d’Hawaï, de Russie, de Chine, d’Espagne, de Grande-Bretagne, de France, des Pays-Bas… Ils ont réalisé leurs prouesses, à la fois techniques et artistiques, avec quelque 20 000 tonnes de sable durant plus de six semaines.

A l’aide de bulldozers et de grues, le sable de sculpture est déversé dans des armatures en bois où, couche sur couche, il est compressé pour former un bloc dur à la hauteur souhaitée.

Les sculpteurs, aussi appelés carvers, ont chacun leurs outils favoris, qui peuvent aller de la pelle à la spatule… et même au pinceau ou à la paille ! L’échange d’idées et d’expériences entre artistes mène aux créations les plus folles et aux décors les plus audacieux, à condition de disposer du sable adéquat et des bonnes techniques. Toute forme est envisageable !

Les sculptures de sable acquièrent ainsi le statut d’objets d’art, cette discipline étant déjà pratiquée par les Egyptiens 4 000 ans avant Jésus Christ.

Le sable qui se trouve sur la plupart des plages est constitué de grains qui ont été polis par les vagues et les marées : ces grains devenus tout à fait lisses au fil du temps ne conviennent pas à la sculpture. Il faut au contraire, pour exercer cet art, du sable de rivière dont les grains sont restés plus bruts et anguleux.

Un sculpteur de sable doit pouvoir bien imaginer sa sculpture et ses dimensions. L’expérience lui a permis de développer une telle conception spatiale. Du reste, à chacun sa spécialité : alors que l’un préfère les constructions architecturales, l’autre développe tout son talent dans les personnages. Chacune de ses disciplines requiert des compétences spécifiques : la première une grande droiture dans le trait, la seconde, le sens des proportions anatomiques.

FESTIVAL DE SCULPTURES DE SABLE OSTENDE 2014

Autour du magnifique château de la Belle au Bois Dormant, d’incroyables sculptures évoquent les décors magiques du parc, les héros de Disney dont la toute nouvelle attraction, Ratatouille : l’aventure totalement toquée de Rémy, dont l’inauguration s’est déroulée ce 10 juillet.

Pour lire la suite , cliquez ICI

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1 juin 2012 5 01 /06 /juin /2012 07:51

FESTIVAL DE SCULPTURES DE SABLE DE BLANKENBERGE 2012 : voyage dans un monde enchanté

Depuis six semaines, ce sont quarante sculpteurs professionnels venant de Belgique, des Pays-Bas, d’Allemagne, d’Autriche, d’Ukraine, de Pologne, de Russie, d’Italie, d’Espagne, du Mexique, de Sibérie et d’Australie qui manient avec talent et imagination dans les polders des dunes de Blankenberge (Belgique) plus de 10 000 tonnes de sable pour créer de fabuleuses et étonnantes oeuvres d’art éphémères comme les Egyptiens savaient le faire 4000 ans avant J.C.

Pour façonner ces sculptures, ils utilisent des pelles, des spatules, des pinceaux et pour les finitions, des pailles comme celles que l’on utilise pour siroter une boisson.

Ils ne travaillent pas évidemment le sable de la plage, constitué de grains polis par les vagues au fil du temps, des marées et des vents ; ces grains, devenus trop lisses, ne conviennent assurément pas au travail de l’artiste. Il s’agit ici d’un sable de rivière dont les grains sont bruts et anguleux, amené sur le site par camions.

A l’aide de bulldozers et de grues, ce matériau est déversé dans des armatures en bois, couche après couche, puis compressé afin de former un bloc compact, ajusté selon la hauteur de la sculpture à exécuter.

Le thème retenu cette année est celui d’un voyage au pays des contes de fées à travers les personnages et les récits imaginés par les frères Grimm, Hans-Christian Andersen, Walt Disney, Astrid Lindgren, Charles Dickens et, plus près de nous, par J.K. Rowling.

Ce festival de sculptures qui s’étend sur une superficie de 4 000 m² plonge le visiteur dans un monde féerique fait de magie, de fantaisie, de surprise et d’aventures qui charme petits et grands. On y côtoie des rois et des reines, des princes et des princesses, des elfes, des nains, des dragons et des esprits orientaux, des sorcières, des fées, des mages et des héros en tout genre.

 Du 1er juin au dimanche 2 septembre, tous les jours de 10 à 19heures.

Rue Albert 1er (Koning Albert I laan), Blankenberge (Belgique).

Pour agrandir les photographies,cliquez dessus

Voir également l'album photo en plein écran (colonne de droite)

PH 33

POUR VOIR LE REPORTAGE SUR LE FESTIVAL 2013, CLIQUEZ ICI

BLOG SCULPTURES SABLE

FESTIVAL DE SCULPTURES DE SABLE OSTENDE 2014

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24 novembre 2010 3 24 /11 /novembre /2010 19:34

Degas , sculpteur au musée La Piscine de Roubaix : Incontournable !

L 'exposition consacrée à Edgar Degas sculpteur à La Piscine, musée d'art et d'industrie de Roubaix, est un événement exceptionnel .

Depuis 1930, le musée d'Orsay conserve l'une des 22 séries de bronzes originaux réalisés par le fondeur Hébrard à partir de cires trouvées dans l'atelier du peintre Edgar Degas à son décès.

Cet ensemble dominé par la célèbre Petite danseuse de 14 ans que l’artiste avait exposée en 1881 à l'exposition du groupe impressionniste est présenté en exclusivité actuellement et jusqu’au au 16 janvier 2011 à Roubaix .

Pour voir les photographies en grande taille et zoomer : Cliquez dessus

Cette exposition Degas sculpteur est une première dans un musée français. Elle permet de voir l'ensemble des modelages du grand peintre impressionniste, mis en perspective avec des dessins et gravures pour plonger le visiteur dans le processus sa création , qui voyait dans ses sculptures des jalons dans l'élaboration de ses tableaux et gravures. S'il est difficile de préciser comment il vint à la sculpture, Degas était cependant considéré par Renoir comme le plus grand sculpteur de son temps.

En 1881, lors de la sixième Exposition Impressionniste, il présente la cire originale de la Petite danseuse de 14 ans qui, avec ses vrais cheveux, son corset de lin et son tutu de gaze, bouleverse toutes les références de la sculpture. Mais le scandale est si grand que l'artiste ne montera plus jamais ses sculptures en public.

Point d’orgue de l'exposition, l'unique sculpture réalisée et exposée par le maître de son vivant. En 1881, la célèbre Petite Danseuse de 14 ans, qui fit scandale.

A l'époque, les petits rats sont considérés comme des prostituées.

Degas représente d'une façon hyperréaliste cette jeune fille qu'il habille d'un vrai tutu.

Prête à bondir de son socle, plus vraie que nature, elle crée le malaise et bouscule tous les codes esthétiques.

Considérée alors comme l'incarnation du vice, elle est aujourd'hui l’une des icônes de la sculpture moderne.

A sa mort, en 1917, ses héritiers découvrent près de 150 oeuvres dans son atelier. Mais seuls 73 de ces modelages en cire ont pu être sauvés : ces originaux préservés ont été édités en bronze entre 1919 et 1921 par Palazzolo pour le fondeur A. Hébrard.

Le musée d'Orsay conserve une série presque complète des 73 modèles, et a accepté de placer cet ensemble au cour du projet du musée de Roubaix dans un véritable "Orsay hors les murs".

L'exposition mêle sculptures, dessins, pastels dans un jeu de miroir et de correspondance, pour tenter de recréer le dialogue qui s'opérait dans l'esprit de Degas entre ses différentes pratiques artistiques, l'une servant sans cesse d'inspiration à l'autre.

On retrouve également au coeur de l'exposition une série de sculptures d'inspiration hippique de Degas, parmi lesquelles Le cheval à l'abreuvoir, qui servit de modèle à l'une des peintures célèbres de l'artiste : La source .

Comme de nombreux artistes peintres (Matisse, Picasso, Renoir), Degas pratique la sculpture occasionnellement et déclare à ce sujet : « C'est pour ma seule satisfaction que j'ai modelé en cire bêtes et gens, non pour me délasser de la peinture ou du dessin, mais plutôt pour donner à mes peintures et à mes dessins plus d'expression, plus d'ardeur et plus de vie.

Ce sont des exercices pour me mettre en train, du document sans plus. »

L'artiste considérait en effet la sculpture comme un outil de recherche pour atteindre l'exactitude du sujet et n'a jamais voulu montrer ces modelages qu'il pouvait détruire et recommencer jusqu'à entière satisfaction.